论文是常识的一台电脑，标题是主机，目录是键盘，文字、标点是书本的内存。下面是小编整理了毕业论文目录怎么改，有兴趣的亲可以来阅读一下!

改毕业论文目录的方法

1、在[格式]中选[样式与格式]

2、出现右边的一条“样式格式”栏，这里面主要就是用到标题1，标题2，标题3。把标题1，标题2，标题3分别应用到文中各个章节的标题上。例如：文中的“第一章 制冷概论”我们就需要用标题1定义。而“1.1制冷技术的发展历史”就用标题2定义。如果有1.1.1×××那就用标题3来定义。

3、用标题1，2，3分别去定义文中的每一章节。定义时很方便，只要把光标点到“第一章 制冷概论”上，然后用鼠标左键点一下右边的标题1，就定义好了;同样方法用标题2，3定义1.1;1.1.1;依此类推，第二章，第三章也这样定义，直到全文节尾。

4、当然标题1，标题2，标题3的属性(如字体大小，居中，加粗，等等)可以自行修改的。修改方法：右键点击“标题1”选“修改”，会弹出修改菜单，您可以根据自己的要求自行修改。

5、当都定义好后，我们就可以生成目录了。把光标移到文章最开头你要插入目录的空白位置，选[插入]--[引用]--[索引和目录]

6、选第二个选项卡[目录]，然后点右下的确定。就OK了。下图就是自动生成的目录

7、当你重新修改文章内容后，你需要更新一下目录，方法是：在目录区域内，点右键，选[更新域]

8、当选[更新域]后，会出现上图的选框，选第二个“更新整个目录”点确定。就OK了。

关于青春的论文范文

漂流的中国青春

“我最早会难以启齿我是做什么的，不是因为我做的东西难以启齿，我如果跟我高中同学说我是做艺术的，他会说那你帮我画两张画吧。”陈维坐在镜头前，戴着黑框眼镜，略显拘束，一个再普通不过的青年模样。

这个场景来自一部叫《中国年轻艺术家的观念与实践》的纪录片预告，该片总共纪录了70位艺术从业者，其中50来位青年艺术家，年龄范围从1976年到1989年，在今年1月13号，预告片首播的同时，北京尤伦斯当代艺术中心也集中展出了这些年轻艺术家们的作品。这样一次中国青年艺术家的群体亮相，提供了一次难得的集中关注和了解这批新生代艺术家创作实践的机会。

与上一辈艺术家相比，他们以一种特有的方式去表达自我，主动参与社会，甚至在新旧交融的时代，他们更有一股颠覆过去的力量。策展人鲍栋和孙冬冬都是当代艺术界新锐的评论家和观察者，即便不需要为这些艺术家去符号化，他们仍为这次展览取了一个合适的名字：ON|OFF。灵感取自一款在中国常用的网络软件的图形界面，微观上这个符号代表了青年艺术家整体的多样性和临界性，结合1976年以来的时代背景来说，它同样提示了中国社会一直在多重制度和话语权之中摇摆地发展。

这正是年轻艺术家的成长背景，并直接影响了他们身处的艺术领域，好像在各种艺术制度、话语、潮流与观念之间，艺术家们仍保持着一种可以随时切换的状态。“ON|OFF并不是一个非此即彼的状态，”鲍栋解释说，“它更多的是一种同构关系，只不过我们有时用这个状态，有时用那个，不用的时候并不代表另一种状态就不存在了。”

1980年出生的艺术家陈维来自浙江，2006年，其作品开始在世界各地参加展览。不同于第一代摄影艺术家对影像的忠实纪录，陈维的照片常常出现有意为之的特定场景，比如盛满闪闪发光的硬币的水池，一个男人坐在长椅上刚好被烟雾遮住了脸。

普通而又独特，是这部影片描述的一群新时代艺术实践者的关键词，他们清楚自己正在做以及将要做的事情，甚至对于最常加在他们身上的“青年艺术家”、“当代艺术”嗤之以鼻。纪录片中另一位同样年轻的艺术家辛云鹏对当代艺术就这样理解：“当代不当代也没那么重要，我觉得主要是对我来说好不好吧，我觉得那些东西是有生气、有血有肉的。”

不断切换所造就的多样性状态被最直观地体现到作品上，青年艺术家们不再局限于绘画、雕塑等形式，观众在感受的时候也不再是静静走完一圈，比如他们可以参与到唐狄鑫制作的机器中，一架需要人力驱动的桨扇，同时对抗着巨大的工业风机。陈哲的摄影作品旁边还附上了与被摄者的交谈纪录和他自己的手札，李燎展出的是他在富士康工作45天后所购买的自己生产的产品—一台IPAD MINI、工作服、员工证件等物品。另外，陈凡和陈君表现故土与怀旧风格的大型装置艺术以及陆扬制作的3D动漫视频，各类艺术形式混搭在一起，犹如探索迷宫发掘宝藏一般，参观者不断获得惊喜。

没有标志性的贝雷帽和烟斗，各种全新的媒介反映了这群75后对于时代的嗅觉，同时也代表了艺术家的实践开始由线性转向横向发展。政治和社会阶段进程不再是被议论最多的主题，个人或群体中的微观话题都可能被放大，在艺术的角度之下，观众会发现这些话题同样有趣和重要。

仿佛一开始就没有什么藏着掖着，所有的展示都有着非常真实的态度。策展人意图把年轻艺术家之间可能的共性以及可供比较的差异性，通过对话和提问的方式呈现出来，让公众更了解现在的艺术家们在做什么，甚至是他们每个个体的思维、观念和实践，从什么方向来，到什么方向去。

在采访的过程中，艺术家们谈论更多的也是作品本身、自己的爱好，而非社会认知层面或者更加宽泛的意义。后来记者不得不放弃“你的作品想表达什么”之类的问题，从而得出和鲍栋一样的结论：艺术家更像是一个提问者，答案是由观众自己思考得出的。作品的解构与建构也在这个过程中完成，并不一定先有概念，要先做。

陈哲的摄影作品《蜜蜂》涉及了自残群体而倍受关注，《蜜蜂》中不但展示了90张伤痕累累的图片，还有40组陈哲跟这个群体之中许多人的访谈笔记以及通信纪录。有观众提问说如何将摄影作品与这个群体有关的政治权利和社会形象区分开，陈哲回答道，“让你感觉到这些了吗，那我挺失败的。”

陈哲一直强调他不想去感染社会层面上的东西，创作的初衷也并不是寻求社会人士的帮助或者引起关注，观众的反馈有些并不在他的意料之中，陈哲觉得那些只是不同语境下的阐述。鲍栋把陈哲的的作品评价为“对外部现实的一种记录和反映”，不是所谓私人生活和相对个体化的精神感受抒情式的记录，而是已经融入了陈哲的个人生命历程。

李燎被安排的工作是检查即将要被焊接的主板有没有错误并加以改正，据他介绍这已经是车间里最有技术含量的活了，虽然曾经有在别的工厂打工的经历，但是富士康的累还是让李燎有些吃不消，更难耐的是枯燥。长期面对相同的工作，因为倒班的关系宿舍里很少有人交流，谈论起来，无非是有没有更好的工作机会和女人。脱离富士康的那一天，李燎刚一出门就对迎接他的女朋友说，再也不想在工厂上班了。不过，带他的师傅已经在富士康干了五年。

关于这段神奇的经历，李燎最直观的感受是：在这个世界上，许多产品其实和制造它的人关系不大，对富士康的工人来说，苹果只是一个 Logo。但是对一个艺术家来说，这段经历更多的是一种社会介入以及必要的传播，李燎对这个问题却没有发表评论，“这个作品没有任何概念，它只是一个结果而已，给我造成身体、心理上的什么影响，呈现在什么物质上，我都给观众