美术家是重再现的，是以追求与现实形象的近似或相似为目的，以描绘客观物象为主。下文是小编为大家整理的美术家相关论文的范文，欢迎大家阅读参考!

美术家相关论文篇1

浅析舞台美术家与剧种美的创造

舞台美术是艺术创作的一种特殊形式,在舞台演出中发挥着十分重要的作用,其根本任务就是按照剧本内容,通过采取不同的艺术手法,真实再现剧本中所描述的环境、生动刻画角色形象,已实现渲染舞台效果的目的。剧种美的创造离不开舞台美术家的默默贡献,正是有了诸多出色的舞台美术家,各种剧种的舞台演出才能带给观众视觉享受,给观众留下深刻印象。

1 剧种美概述

中国戏曲源远流长,由诸多剧种汇聚而成,这些剧种之间既有相似之处,又具有自身个性。笔者所探讨的剧种美,就是某一剧种中最易被观众所发现的审美范畴的一种优势,正是由于剧种美的存在,才使各种剧种在相互竞争中和谐发展。具体来说,剧种美就是体现为演员特色唱腔、舞台造型、服装、灯光等。

剧种美是客观发展的,是稳定与变化发展的统一体。凡是能够延存至今的艺术形式都有其稳定的一面,是对艺术精髓的继承;但同时正是由于与时俱进,才能保证其适应时代的潮流,不断向前发展,不断带给观众新的视觉享受和冲击。通过实际情况的分析也不难发现,舞台美术的发展步伐是最为明显的,甚至远超过声腔的变化。

2 剧种中的舞台美术

在一般观众看来,对剧种美最直接的感受就是为个别名角的崇拜,而很少联想到衬托名角的那些音乐、美术家们为了实现美的舞台效果在幕后所付出的辛勤劳动,特别是舞台美术家是最易被大众所忽视的,几乎没有哪个观众可以像列举各大名角名字那样说出舞台美术家的名字。

在我国数目繁多的剧种中,舞台美术自成系统。排在第一位的当属京剧和昆曲了中的舞台美术了,其中的极具特色的古典造型可谓是影响深远,已经日渐将其影响力扩展到了几乎全部能够演袍带戏的剧种之中,可以说这种传统是一代代艺术家舞台经验想汇聚的结晶。其次就要数越剧了,越剧在演员造型上,是对古典造型的继承和发展,是在延续传统的基础之上,在演员服装造型的花纹、色彩等方面稍加改变,以满足女子剧的需要,被称为越扮;在灯光以及舞台布景等方面,则是对话剧成功经验的借鉴和发扬,即借鉴话剧的写实思想,但同时又在形式上保留自己特色,正是在舞台美术家的对一系列舞台美术技巧的灵活运用和变通,才造就了越剧的极大影响力。

1997年出版的《越剧舞台美术》就是对越剧中舞台美术所取得的一系列成果的总结,是顾大良、陈利华、苏石风等为代表的一批舞台美术家与表演艺术家以及导演的共同努力下创作而成的,其中最大的功臣当属舞台美术家苏石风现先生了,他对舞台美术艺术的参与实践最长、取得的成就最大,并在2000年的兰生越剧发展基金颁奖大会上荣获突出贡献奖,这也是对这位舞台美术大师毕生心血奉献于创造越剧美的一种嘉奖,更是一种肯定。而对于其他一些具有地方特色的剧种,比如广东的粤剧、福建的梨园戏以及上海的沪剧等等,虽说在演员的造型上也具有一些自己的典型特点,但尚谈不上形成了自己的系统。

3 舞台美术家对剧种美创造的作用

舞台美术家对剧种美的创造发挥着不可或缺的重要作用,正是一批批优秀舞台美术家的存在,才保障了各种戏曲剧种给观众带来一场场视觉盛宴。

一个成功是舞台美术家不但能够很好的结合剧本的内容,将表现对象地方化,同时还能从当地民间传统中获得灵感,实现艺术语言的地方化。

浙江省小百花越剧团编排演出的《西厢记》,在舞台美术家的指导下,舞台表现在空灵中不乏生机,在稳定中又具有新颖感,再加上演出形式的完整性,使得该剧的水平远超上海越剧院编排的同一剧目。小百花剧团对该剧的编排也借鉴了西方戏剧的成功经验,将民族戏剧与西方新构成主义观念完美融合,从而彰显出令人惊叹的舞台效果。苏石风先生曾在1982年与顾大良合作,共同创作了《汉文皇后》,通过运用当时极少被采取的舞台处理方式,在戏曲界引起的很大反响,该剧的表现手法不再是单纯的注重平面绘画形式,而是转而关注舞台的立体表现形式,大胆的采用了刻满浮雕的可移动屏风,并巧妙的利用了灯光,营造了震感的舞台效果。从这些例子中不难看出舞台美术家在剧种美的创作中的巨大作用。

上面的成功例子同时也带给我们很大的启示,那就是创造剧种美,既需要尊重本民族深厚的戏曲文化传统,注重对民族文化积淀的开发和发展,同时还要真正认识到盲目的自恋和封闭是会被时代所淘汰的,还要放眼世界,对国外文化领域中于我有益的成功经验加以吸收和借鉴,充分加以消化,对于一时难以有效转化吸收的东西,如简单的抄袭或者拼接等,也要全面客观的分析原因,不能作为就此封闭自我的理由。我们只有发掘出不同国度、不同文化的艺术形式的共同之处,并将其真正的理解,并在认识上加以升华,上升到理性的高度,才有助于激发本民族戏曲的活力,从而使本民族的戏曲魅力更加全面的展现给世人,将本民族传统戏曲文化发扬广大,使其走出国门、走向世界。

舞台美术兼有时间艺术和空间艺术的性质,是四维时空交错的艺术,具有很强的技术性和对物质条件的依赖性。其功能多样,比如通过人物造型和景物造型塑造人物形象。创造和组织戏剧动作空间。③表现动作发生的环境和地点。这些功能,是历史发展的产物和结果。最早出现于演出中的是和演员直接有关的化妆、服装和随身小道具。后来才逐渐有了布景。演出进入室内后又逐渐有了灯光照明。在很长的历史时间,它主要是在演出中发挥“实用”性功能。随着各种演出技术条件的日趋完善,艺术造型手段逐渐增多,它的艺术作用也逐渐加强,艺术创作的价值和品位也愈来愈高,遂成为戏剧综合艺术中重要的有机成分。在现代的戏剧演出中,舞台美术成了决定和左右演出艺术形式的重要的、甚至是决定性的因素。

参考文献:

[1]姚振中,孙惠柱.阅读舞台.上海百家出版社,2008

[2]沈尧定.舞台美术设计实践与技巧.北京工艺美术出版社,2004

[3]张连.中国戏曲舞台美术史论.文化艺术出版社,2000

[4]郑国良.图说西方舞台美术史:从古希腊到19世纪.上海书店出版社 ,2010

[5]钱久元.海派京剧的奥秘:钱久元博士论文及剧作选.合肥工业大学出版社,2006

美术家相关论文篇2

试谈美术家与设计师的差异

【摘要】美术家与设计师都属于艺术生产者，由于社会分工的不同形成不同的行业区别。美术家与设计师之间存在着千丝万缕的联系，但他们的区别确是显而易见的。文章通过从社会生活、社会知识结构、思维方式与能力方面的论述，将他们从同一领域中分解开来让人们更直观地了解他们。结合文中的分析，说明了美术家和设计师在不同方面的差异，同时也为美术工作者和设计工作者提供了借鉴经验。

【关键词】美术家;设计师;社会生活;知识结构;思维方式

无论是美术家还是设计师都属于艺术生产者，是随着社会与时代的发展而产生的，由于社会分工的不同形成了不同行业区别。他们与社会生活都有着密切的联系，社会生活作为美术家和设计师创作和设计创意的源泉和基础，又同时对美术家和设计师本人自身产生巨大而深远的影响。总体上来讲，美术家是重再现的，是以追求与现实形象的近似或相似为目的，以描绘客观物象为主;设计师是重表现的不以描绘客观形象为目的，而是用特定的艺术手段表现艺术情感。如果说美术家创作是一种“模仿性”的行为，那么设计师的作品就是一种“创造性”行为。美术家更多的是创作，设计师更多的是创造。

一、两者与社会生活的关系

“我们知道，任何艺术作品都是艺术家对社会生活的能动反映和艺术创造的产物。”①美术家与社会生活有着十分密切的关系，他的创作源泉和创作基础都来自于社会生活。虽然设计师也与社会生活有着密切的关系，但设计师更注重的是作品的价值，例如：实用价值、文化价值、审美价值。设计师不像美术家那样，美术家在创作时完全可以将个人的情感倾注于作品，而设计师在将自己的情感倾注于作品时更应该考虑的是设计对象(消费者)的情感。美术家的作品可以是在展出或陈列后通过观赏者慢慢地欣赏而产生共鸣，但设计师的作品必然是要在视觉的第一瞬间就要与受众产生共鸣。所以，设计面对的是更为广泛的大众，设计师更注重的是设计作品的商业性质。

美术作品可以只作展示和陈列供人们来欣赏，但设计作品却是切切实实地与人发生着关系。设计作品除了传递出必要的信息诱使消费者进行消费外，还要让消费者使用，通过实用与适用来完成设计的目的。当然设计师还要注重设计品的艺术性，也就是美观。美术家与设计师都注重其作品的审美价值与文化价值，但设计师在此基础上更注重其作品的实用价值。设计师考虑的更多的是众人的感情，美术家考虑的更多的是个人的情感，如果美术家是为艺术而艺术，设计师就是为人而艺术的。

二、两者与社会知识结构的关系

美术家与设计师的知识结构就是既要必须具有专门的艺术技能，掌握并熟悉某一具体的艺术种类的语言和技巧，同时又要具有广博的知识面和合理的、优化的知识结构。美术家与设计师的知识结构还应当包括深刻与深厚的思想修养和文化修养，以及关于社会科学和自然科学等多方面的广泛而渊博的知识。社会知识结构直接体现在美术家和设计师的艺术修养中，表现在其艺术作品的层次的高与低。美术家可以“闭门造车”来完成自己的美术创作表达自己的意愿，但设计师必须时时刻刻与外界接触，不断了解设计受众的意愿，还要把握时代的节奏、时尚的潮流，甚至更要走在时代的前沿乃至超越时代。设计师比美术家更需要掌握时代的脉搏。

美术家的知识结构主要来源于学习与生活，但不同的艺术流派所倾向的知识结构不同，不同的艺术思潮对美术家的知识结构又产生不同的影响。设计师需要有更广阔的知识结构，对设计而言设计除了具有艺术性以外它更多表现的是一种文化性。美术家可以根据自己的知识结构创作具有个人风格的美术作品，设计师会涉足更多的领域，在面对不同的领域做设计时，他更要用相关该领域的知识结合艺术的表现来进行设计的创造。设计与美术相比更具有学科交叉性的特点，设计师不像美术家那样单纯，而是具有一种广泛的包容性。设计师在了解物质的、技术的手段同时还要考虑精神的、观念的因素，把握文化价值的取向。虽然美术家的文化修养十分重要，但设计师的文化修养显得尤为重要，面对广泛的设计受众群体，要想做好真正的设计不将文化因素考虑进去是不行的。

三、两者的思维方式与能力的关系

“思维是人脑对客观事物本质属性与规律的概括、间接的反映。”②思维主要属于心理范畴，是一系列心理过程中的心理活动。我们对于思维的研究主要从哲学、心理学、逻辑学出发，随着社会的发展和时代的进步，之前单一的思维模式不能再应对复杂的艺术现象，综合的思维便应运而生，从而满足艺术对思维的要求。虽然美术家与设计师在艺术创作中都具有抽象思维、形象思维、知觉思维、灵感思维，但设计师和美术家的思维方式却存在着不同。如果说美术家探索问题答案的思维方式主要为发散思维的话，那么设计师探索问题的方式主要为聚合思维。从思维的创造性维度来看，虽然美术家和设计师都具有再造性思维和创造性思维，但设计师需要的创造性思维更加明显。

设计师必须具备“想、手、说”的能力。也许美术家只具备前两者就可以了，但想成为一名真正的设计师这三种能力缺一不可。所谓“想”，对美术家而言是构思，对设计师而言就是创意，是在进行艺术设计实践之前形成的指导思想。如何让构思新颖，如何使创意独特，这一步是进行艺术创作和设计创造的起步阶段，也直接关系着美术作品和设计作品的好与坏。所谓“手”，就是实践能力，是将所想的构思和创意转化为具体作品的核心环节，它既包括表现能力也包括技术手段，对美术家而言笔、纸、颜料等是他的“手”。对设计师而言，材料、电脑、软件等是他的“手”。再好的构思或创意都要通过具体的实践作品来表达，所以“手”是一名设计师必须的表现途径。所谓“说”，也许是设计师所独有的，它是对所创作的作品向受众或客户所做的文字和语言上的阐述与表达。

美术家可以没有这个环节，因为美术作品是用来欣赏的，也许不用过多的文字和语言描述，但设计师却必须向受众、向客户做到清晰而直接地表述。有的可通过作品自身来携带适当的文字信息，有的通过语言的描述进行设计作品的阐述，而新兴的数码媒体设计更是结合视、听，“说”还存在着另一个层面，就是广告界所谓的“贩卖创意”，也许你的创意不是很新颖，也许你的作品并不十分好，但也许你在面对客户或受众时表达、表现得好，你的作品同样可以脱颖而出推销出去。在这里设计师更像是一个辩者，用清晰的思维，犀利的言语来打动受众和客户。“想、手、说”不仅是一个层次上递进的过程，它们之间还存在着相互影响和相互制约的关系，它们是不可分割的统一的整体。

四、结语

美术家与设计师的培养都需要具有艺术的天赋和才能，掌握一定的技艺、技巧，拥有一定的文化修养。同时通过对社会生活的艺术体验、优化自身的社会知识结构、培养优秀的思维方式与艺术创作的能力。无论是要成为一名真正的美术家或设计师都是一个漫长而又艰辛的过程，但当我们认清前景的方向后，便如同望着那远方的灯塔，即使是在黑夜也始终会向着目标停泊靠岸。

注释：

①彭吉象.艺术学概论[M].北京：高等教育出版社，2002.

②周至禹.思维与设计[M].北京：北京大学出版社，2007.