美术是艺术设计的基础,艺术设计是一门实用性和实践性很强的学科,是大学美术专业的一门辅修课程,作为大学美术专业的边缘学科,研究大学美术专业学生艺术设计能力的培养,对大学美术的专业发展和就业具有重要的现实意义。下面是小编为大家整理的大学美术论文，供大家参考。

大学美术论文范文一：大学美术鉴赏论文

美术鉴赏是人们运用自己的视觉感知与已有的生活经验、审美知识等对美术作品进行感受、体验、联想、分析、判断的欣赏与鉴别的过程，是鉴赏者获得审美享受、提高审美能力、陶冶情操、理解美术作品与美术现象的特殊的精神活动，也是鉴赏者对美术作品再创作的过程。

美术鉴赏既涉及美术作品本身的艺术魅力和审美价值，又涉及鉴赏者的知识、能力、修养和复杂的心理过程。可以说，美术鉴赏受到主客体两方面条件的制约。这两个条件即美术鉴赏的客体条件(美术作品)与主体条件(鉴赏者)。美术鉴赏的客体条件是指被鉴赏的美术作品，如果客体不具备一定的审美价值与艺术价值，便失去了鉴赏的意义与价值。伏尔加河上的纤夫》 列宾(俄)

1863年在人民群众反对沙皇专制制度、争取自由的影响下，俄国彼得堡美术学院14名学生拒绝按照学院硬性规定的题目进行毕业考试，他们走向社会，组成了巡回展览学会。他们创作了许多揭露农奴制度、反映俄罗斯人民苦难生活的美术作品。这些作品内容新颖，形式活泼，富于战斗性，在俄国各地巡回展览，影响很大，被称为“巡回画派”。其中列宾和苏里柯夫是杰出代表。

列宾(1844-1930)著名的油画《伏尔加河上的纤夫》，画的是在炎热的夏天，一群衣着破烂不堪的纤夫迈着沉重而疲惫的步伐拖着货船，艰难地走在伏尔加河畔的沙滩上。沙滩上的几只破箩筐，增添了画面的凄惨景色。画中共有11名纤夫，经过画家精心刻画，反映出他们各自不同的年龄、经历、性格和气质。领头的纤夫叫卡宁，穿着满是补丁的衣服，两手下垂，身上的纤绳绷得很紧，忍受着体力上和精神上的痛苦。中间突出的人物是那位身着浅色衣服的少年，他紧蹙着眉头，吃力地用手调整压在肩上的纤绳，从他那昂起头的姿势看得出，在他身上蕴藏着一种潜在的反抗力量。最后两位人物动态对比鲜明。一位低垂着头茫然地向前移动着身躯，一副听天由命的样子;一位回头怒视着后面船上的船主，脸上是愤愤不平的表情。

列宾是十九世纪俄罗斯最杰出的画家。他擅长社会风俗画和肖像画，他的许多优秀作品直接而又广泛地反映了他所处的那个时代。列宾从小就喜欢绘画，后来经过努力考上了美术学院。《伏尔加河上的纤夫》是列宾的第一幅成名之作，这幅画共画了三年多时间。为了创作这幅画，列宾亲自到伏尔加河边居住，和纤夫们交朋友。他寻找了各种不同类型的纤夫形象，认真观察，并画了许多人物写生画，表现不同年龄、个性、姿态的纤夫。正是通过大量的人物写生，列宾抓住了伏尔加河纤夫的典型特征，把他们表现的十分真实、深刻又各具特色。这幅画以狭长的横幅展现了一群纤夫的形象：远处伏尔加河畔的阳光酷烈，沙滩荒芜。近景只有埋在沙里的几只破篮筐作点缀，景色十分悲凉。一队穿戴破烂不堪的纤夫正拉着重载货船，缓慢地沿着河岸沙滩向前走着。画面上的纤夫，有强壮的，有体弱的，有年老的，有年青的。他们的步子是那样的沉重，令人似乎可以听到“伏尔加船夫曲”那压抑低沉而又雄壮的回声。纤夫共有11人、约略分成三组。这里每一个形象都经过列宾仔细推敲，并画过人物写生。他们的年龄、经历、性格、体力以及他们的精神气质各有差别。为了更好地展示纤夫们的性格特征和内心世界，列宾采用了画幅较宽的横构图，把众多的人物安置在与伏尔加河几乎平行的位置上.人物的高低错落，使画面形成一种有力的节奏。辽阔壮丽的伏尔加河与衣衫褴缕但又显示出雄厚力量的纤夫们形成了鲜明的对比。这幅画是受到了诗人涅克拉索夫同名诗歌的启发而创作的：

到伏尔加河边去，是谁在伟大约俄罗斯河上呻吟，这呻吟声是一支沉痛的歌曲，那就是拉纤夫们在痛苦的行进。

以此展开扩写：

大二这学期，我们开设了美术鉴赏这门课，通过对这门课的学习，我有了很大的收获和体会，我发现美术是一种富有内涵，表现形式多样，意义深刻悠远的艺术形式。老师讲课的内容和上课的气氛让我觉得很愉悦，课堂上我也学到了很多知识，让我学会了如何真正的去欣赏一幅画，从它给人的第一直观感觉到它所真正表达的内涵以及再想象出画家在作这幅画的时候是什么样的心情。跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。我最喜欢的是风景画，平时也喜欢搜集一些感觉比较唯美的风景图，我觉得大自然赋予人的是最真实最纯净的。在一些风景图中，我能感悟到自然的神奇召唤。在一次偶然间我看到了一副风景油画叫《干草车》，一开始我没能够理解这幅画，我就查阅了一些参考资料，了解到了作者的简介已经当时的背景。下面我就以自己所了解到的对这幅油画《干草车》进行一些浅显的赏析。

首先了解到19世纪是英国风景画的黄金时代，康斯太勃尔是其中最卓越的风景画大师。长期在家乡研究农村景色，画了许多素描、油画习作，然后进行创作。作品真实生动地表现瞬息万变的大自然景色，与当时学院派虚构呆板成了对照，其画风对后来法国风景画的革新和浪漫主义的绘画有很大启发作用。不同于透纳的幻想主义风格，康斯太勃尔是忠实的现实主义画家，他的风景画技法自然，追求真实的视觉感受，许多风景画都是画家对家乡真实风格的忠实描绘。

《干草车》是康斯太勃最著名的代表作。《干草车》描绘的是一幅充满诗意的家乡风景画名作，也是其田园抒情风景画中最富有诗意的一幅。画面中的马车上装满干草，在清浅的小溪上涉水而过，富有恬淡的生活情趣，人对自然和生活的热爱也由此激发出来。

这幅作品是对地道的英国农村风光的描绘。画面的前方是一条沿河的乡间小道，一条花色斑纹的小狗站在路上向河里张望，明镜般的河水里，两匹马并排拉着一辆粗糙的四轮干草车涉水而过，车上坐着两个男人，看得出是当地的农夫。车子经过的时候，划破了平静的河水，水面上荡起层层涟漪。水面右端有一只小船掩映在茂密的水草丛里。画面左边小路尽头，座落着一所乡下农舍，农舍的右方矗立着几棵大树，从远处望去，白色墙面，红色屋顶的农舍与周围的绿树青水浑然一体，协调柔和，醒目不张扬。画面远方，黄绿色的田野延伸到茂密的树林深处，高远的天幕上布满富有动感的变幻无常的云，把整个画面衬托得空阔而灵动。这幅作品于1624年在法国巴黎展出，以其绚烂浑厚的色彩，诗一般的情调和真实的描绘博得了人们的赞赏。整个画面清新自然，摇曳多姿，如诗如画，弥漫着浓厚的乡土气息。画中运用了多种色彩，红花绿草，蓝天白云，青水碧波，各种颜色互相对应又相互交织，打破了古典主义画家一直用棕色褐色所营造的凝重压抑气氛，把画面渲染得明快淡雅。

画面中的云朵描绘得极富特色，分透明和不透明的，它们仿佛都在流动着，而蓝灰、银灰和微绿不同色泽的云层把云朵的变化无常的形态和厚薄轻重的质感形象地体现出来，让人不得不叹服画家精微的观察力和极端细腻的用笔。画上的光线运用也很有特色。正午的阳光穿过树木的枝桠照在水面上，水面上泛起层层涟漪，光影在水面上闪烁、跳跃，鲜活得好像触手可及。树叶也在阳光的照射下闪着黄色光辉，就像满树金子一样。据说画家爱用白色的亮点来表现树叶上的闪光，因而被人们称为“康斯太勃尔的雪”，在这幅画上就体现得很明显。正如籍里柯曾评价的那样：“正是康斯太勃尔给了我一个优美的世界，康斯太勃尔所用的各种不同对比的色彩，从远处看产生了一种跳动的效果。” 在他看，他应该画的就是眼睛所看见的自然的真实，这是最美丽不过的。康斯太勃尔一直立足于真实的现实描绘，为了表达各种各样的生动景色，他大胆创新，通过各种表现手法把自己视角中的景色描绘在画布上。在这幅面中，光线、空气、发光的树叶、富于变化的云，都描绘得如同真的一般，我们从这幅画中也可看到画家在风景画上不同凡响的精湛造诣。

美术鉴赏即是对美术作品进行评价和欣赏，实际上是一种审美活动，它是鉴赏者运自己的感知能力、情感、审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价，从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力、陶冶情操的过程。它也是鉴赏者面对足以引起审美情感的作品，二者相互作用而产生的一种心物感应、物我交融的复杂心理过程。 通过对这幅《干草车》的鉴赏以及推及到其它的作品可以看出，通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美育知识，更可以培养创造美的能力。对我们的性格，感情，认识，人生观，思想观等都有非常重要的意义，可以培养我们的积极性、主动性，使艺术素养、人文修养得到提高。我们在欣赏这些美术作品的过程中会被其中真实而生动的形象所打动，唤起我们优美崇高的思想感情。在这种潜移默化的过程中，我们会得到心灵的净化，情感的陶冶，在不知不觉中接受了健康向上的精神品质和道德情操，从而改善人的情感状态，影响人行为。同时也得到视觉的愉悦和享受，扩大我们的知识领域，开阔了我们的视野。

通过学习美术鉴赏课，使我的视野更加开阔，也拓宽了我的知识面，学到了专业课理论知识以外的东西，我一直以来就很喜欢风景画，也喜欢在网上搜集一些认为有唯美意境的风景图，这门课培养了我对美的认识和鉴赏能力，让我可以更加细致的观察生活中的美。更加坚定了我对美好生活的追求与热爱。

大学美术论文范文二：艺术，我们存在的理由——美术欣赏课程随想

中国有句古话，物以类聚，人以群分。不管我们有多么不同，不管多么的有个性，但我们都有一个共同点——我们都被艺术影响着。

时代变迁，各个时代有它不同的主流艺术。欧洲文艺复兴时期，终于有人意识到人性的意义。以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，艺术家们创造了符合现实人性的崭新艺术。以意大利的达•芬奇、米开朗基罗和拉斐尔为首的14-16世纪的文艺复兴，为了回归人性的自由，他们高举古希腊古罗马艺术精神的旗帜，创造出的人物形象或雄伟健壮，气魄浑宏，或秀美典雅，高于平凡。艺术不再被教条所禁锢，人文的力量再一次被发扬出来。看着那个时代的不朽之作，即使是色彩不再光鲜，甚至不再完整，我依然可以想象出它们当年所能引起的轰动。同样在看到古希腊、古罗马的那些完美绝伦的雕塑时，我也一再惊讶于他们那天神一般让人只能仰视的造型。复兴，这个词的意义就在于告诉我们那一切曾经发生过，也会一直焕发夺目的光彩。在描绘教堂壁画的时候，米开朗基罗可以仰着脖子几天几夜，即使自觉已到极限，依然无法停下手中的创作;为了逼真的描绘人的肢体动作，达芬奇不惜去盗取人的尸体，只为了解人体的构造，在那样一个时代，这样做是难以被世人所认同的。对于达芬奇，似乎有一句很著名的话，说天才和疯子只有一线之隔。我并不十分赞同这句话。艺术创作不是每个人都能做得出来的。所以它们必定要经历某些不寻常的过程，而我们大多看到的只是结果。而且，就算是在做不是普通人会做的事情，他们很清楚他们在干什么。如果我们能够更加理解那些过程，我相信，这些艺术带来的将不仅仅是享受。

尼采说，美术(form art)是日神的造物，而与之相对的酒神则是掌管音乐的祭司。前者有各种各样的限制，如颜色的调配，画布的尺寸，是一种节制的艺术。而在我看来，二者的美虽然在形式上有所不同，但它们都能带给人心灵的震颤。而那种美所带给人的享受，将拯救人于苦难的水火之中，甚至在人太过沉醉时发出警告——它总是在关键时刻告诉人们——这就是人类存在的意义。某一时期所发生的重大事件构成的时代特征，让那个时代的人选择接受什么样的艺术。因而如今你的我们在看美术的历史的时候，经常会看到这样的字眼：“17世纪出现了巴洛克美术”、“18世纪洛可可风格在法国兴起”、“19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期”。被主流大众所接受，才能流传至今的东西，被我们看成当时的艺术，而能够名留青史的却只有屈指可数的几人。因而有时我也会想，如果你发现了某幅因为种种原因而保存到现在的一幅画作，如果它的一切特征都在显示这是一幅印象主义的作品，而最终你被告知它完成于17世纪，而书上没有告诉我们17世纪曾经出现过印象主义。是不是想为那位不知名的画家叹息呢?但时代的作用是巨大的，这种情况我想也不会经常发生，首先就算有，因为当时不被认为是有价值的，因而连流传至今的可能都没有。更何况历史也会出现断层，我们能做的只是在欣赏过去的同时不断前进。

记得曾经看过一个故事，一个男孩想知道什么是文化，于是他经过一番研究学习，最终得出了答案。“文化就在饺子里。”当然，不是字面上的意思。它真正可以引申为，文化不仅仅是一种结果——像已经包好的饺子一样等待人们去品尝。文化是包饺子的过程，饺子的历史，为什么会有饺子这种东西，为什么是中国人发明了它而不是美国人，可人们大多都会认为这种东西很美味，等等这些问题的答案，就是文化。文化就是这样，即使不是自己的，也会得到尊重。它是人类创造属于自己的东西的过程。而美术，作为文化的一个方面，是人类将想象力和模仿力发挥到了极致的结果。

时代造就人才。从一个角度来说，人的一生太过短暂，因而他的成就，他的知识，他的信仰，总会打上时代的印迹，逃脱不了时代的局限。当然这不是我一个人这样说，想要看得更远是哲学家的事情，画家们只用将生活中的美用他们神奇的画笔展现出来。而从另一个角度看，正是因为时代的不同，人类才创造出了如此纷呈缤兰的文化，从早期的古罗马时代完美的雕塑艺术，到后来的印象主义，洛可可艺术，巴洛克，哥特„„不同的人有着不同的信仰，时代将他们筛选出来，形成不同的流派，让他们的创作得以流传至今。

当然，那些从事发扬美的画家，无论他们笔下的美是来自美好的事物或丑恶的事物——对于艺术家来说有时候丑恶中也有美存在，那种唤醒生命的，惊人的美。在他们的画中也有思考，哲学的思想，并不为所有人所理解的，而不仅仅是表现美的，当然对于理解它们的人来说那也许是美的。比如说，并不是所有人都会喜欢印象主义的画，人们一开始还因为太抽象而将之视为劣质品。

最后我们欣赏到了中国的美术。外国的绘画或建筑艺术，无论他们有多精致，多写实，总给人一种疏离感。而中国的艺术，那些黑色的墨迹，行云流水一般在白纸上酝开，所表达的意境尽在不言中了。大象无形，至美无华。而中国的建筑艺术，其结构上巧夺天工一般的设计，与其周围的环境融为一体，诉说着更为贴近自然的情感。看着那些亭台楼阁，想象自己走在那雕廊画栋之间，觉得心都可以宁静下来，感受周围一丝的风吹与草动。那是一种真正的回归。

我一直都认为要有一定的文化积淀，才能对艺术品表达自己的鉴赏力，但我想有些人对好的艺术品有着天生的鉴赏力，因为美是共通的。而学习这门课程给我们提供了这样一个渠道，去了解和感受美术背后的故事。如果说科学技术教会我们的是如何生存的话，那么美术和其他艺术形式，则教会我们的是看待生活的方式。有了它们，生活才是完整的。

这是我的论文 我交的时候把文中提到的几幅画打印出来了线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用，是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品;不论是写实，还是装饰;不论是抽象的，还是具象的„„在长期的美术发展过程中.“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。

法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》(油画)以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。

南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能.画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采(在表现物象的同时，还传达出入的情绪)，传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美;西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。

从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。

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