相信大家再听歌的时候都知道，歌曲总长不过播放3-4分钟。小编却找到了一首与众不同的曲子，它能演奏639年!下面，我们来了解下这首长得惊人的曲子吧!

世界上最长的曲子

世界上最长的曲子是哪一首?答案是美国作曲家约翰·凯奇的管风琴曲《Organ2/ASLSP》，曲子总长是639年!2004年7月5日，这个曲子又奏出了两个音符。演出3年来总共演奏了5个音符，而且还要再演636年。自2001年9月起，这首“慢到极点”的曲子已经在德国郝柏史塔小镇一个废弃的教堂内演奏了3年。最初的一年半里，曲子全都是休止符，听众只能听到管风琴风箱注满风的声音，直到2003年2月，才第一次出现了3个音符，现在我们终于等到了曲子的第二次变奏。《Organ2/ASLSP》原是前卫作曲家凯奇1992年去世前所谱的一首长约20分钟的钢琴曲，所谓“ASLSP”就是“愈慢愈好”(Asslowaspossible)。后来一批德国音乐专家和管风琴技师决定按字面意思来“贯彻”凯奇的构想——尽量把它拉长。可是到底该有多慢?演奏一天还是没完没了?经过讨论，他们选择了639这个数字，因为准备演奏此曲的风琴的琴龄在2000年刚好是639岁。不知道是不是德国人太热爱哲学的关系，这首曲子之所以如此“拖拖拉拉”原来也是为了体现出一种“思想深度”。主办音乐会的耶里奥说:“我们生活在一个浮躁而混乱的时代，639年的‘慢长’演奏，能帮助我们找到内心的平静。”也许，这就是所谓“大音希声”吧。下一次变奏将在2006年3月出现。不过听众们倒不必担心要直挺挺坐在台下600多年，因为要听完整场音乐会可能要请20多代子孙一起帮忙才行。

约翰·凯奇

约翰·凯奇(1912-1992)是20世纪颇具争议的美国先锋艺术家。他的曲子都很注重“静”(silenc[1] e)。他最著名的乐曲是1952年创作的《4分33秒》，这首无声的“有声作品”，没有任何音符。初次演出时，钢琴家走上舞台，端坐4分33秒后，连琴键都没有碰一下就宣布演出结束，由此引发大规模抗议。即使在半个多世纪之后，此曲仍然在观众中颇具争议。因此，凯奇也被认为是音乐界的行为艺术大师。

从1950年起，他的名声和影响波及全世界。1961年，他的演讲、论文集以一个意味深长的书名——《无言》出版问世;从此确立了他作为当代一位主要的音乐理论家和美学思考家的地位。作为“机遇”(chance)音乐的代表性人物，他曾深受远东哲学、美学、尤其是佛学禅宗和中国《易经》的影响。

早年学习绘画，但并不得志，曾在Pamona大学和UCLA (加州大学洛杉矶分校)学习，但未卒业。后辗转至著名作曲家勋伯格门下学习作曲。凯奇交不起学费，但勋伯格被凯奇欲献身音乐的精神所感动，同意免费为他授课。但凯奇毕竟缺乏一般意义上的专业作曲家所必需的对和声的感觉，两年后勋伯格劝他不要再致力于作曲。40年代，凯奇在北卡罗来纳的黑山学院听到了日本人铃木大拙关于佛教和禅学的讲课，深受其影响，很快成为禅宗的追随者。他开始把禅学思想运用在对作曲的新尝试中，把音乐想象成“无目的的游戏”，认为生活只是生活本身，一切都要顺其自然，而无须刻意从混沌和偶然中寻找出什么秩序，由此成为了“偶然音乐”作曲家的早期代表人物。他可以打破所有传统作曲技法、所有标准乐器及其标准演奏法为“音乐”所做的既成限定，用一系列连他本人都没有预料也根本不可能预料得出来的音响效果作为他的作品，给听众营造意境并昭示哲理。例如在钢琴的弦之间夹上异物来创造新的音色，在乐谱中写明各个演奏员要根据自己当时的感觉来随意打开或关上收音机，请钢琴家在台上泼水等等。毫无疑问，这些做法使得凯奇从成名时直到今天，一直都是备受争议的人。但以他的作品影响之大，也已无愧于被载入20世纪的音乐史。1992年8月12日，凯奇在纽约逝世，享年80岁。

约翰·凯奇一生中最为石破天惊当然也是最著名的音乐作品当属《4分33秒》(首演于1952年)，该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，共三个乐章，总长度4分33秒，乐谱上没有任何音符，唯一标明的要求就是“Tacet”(沉默)。作品的含义是请观众认真聆听当时的寂静，体会在寂静之中由偶然所带来的一切声音。这也代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏，而是聆听。约翰·凯奇的其他作品还有《方塔纳混合曲》、《玩具钢琴组曲》、《空洞的话语》等。并出版了《关于无的演讲》、《从星期一开始的一年》等很多专著和谈话录。

另外，凯奇也是一个狂热的业余的霉菌学家和蘑菇收集者，并加入了纽约霉菌学会。他还创造了一种叫做Mesostic的诗歌体裁，让大写字母位于句子的正中而不是开头。

约翰·凯奇出生于一个英国移民家庭，凯奇家族中有好几代人都极具发明创造的天份，在凯奇一生的音乐创作中，这种家族遗传的天份表现得十分显著。他早年师从亨利·考威尔、阿道夫·威斯、勋伯格等三人学习作曲，其中勋伯格对他的影

响尤为深远。由于凯奇对西方传统作曲技法的不适应，更主要是与助伯格的作曲思 路和方式的截然不同，他前后历时五年的作曲学习以对师门的全盘背叛而告终。

由于对现有音乐材料产生不满足感，凯奇从三十年代末开始首先将探索的突破口放在音色和结构上。他通过打击乐创作，尝试新的音响组合，同时并对音乐的结 构作了一系列探索，节奏结构”理论就是他在这个时期所提出的。所谓“节奏结构”理论就是将音乐结构建立在时间长度之上的简单而有效的组织方法，这种节奏 结构理论成为他后来多年创作的主要技术依据之一。凯奇在这个时期的代表作有; 为打击乐而作的《第一结构(金属)》《第二结构》《第三结构》《风景用爱神》等。这个时期凯奇集音色探索与节奏结构理论之大成的作品是为预制钢琴而写的一系列独奏，这些作品通过对钢琴的琴弦进行加工处理，在弦中间加人一些诸如钉子、 螺丝、铁片、毛毡等物，使钢琴的某些被预制的音接近于打击乐的音色，取得了令人意外的音乐效果，其中最富代表性的作品是《奏鸣曲与前奏曲》。

接下来，凯奇开始了他更为激进的前卫探索--摆脱前一时期对音乐要素诸如音 色和结构进行拓宽的思路，而是直接指向改造音乐概念本身。他在四十年代中后期 接触并接受了佛教禅宗思想，这种充满思辩色彩的东方哲学思想在凯奇一生的音乐 创作中起到举足轻重的作用，它是凯奇许多音乐思想和实践的基础，并且是凯奇背 离传统音乐道路的主要精神动力之一。他首次提出了“空的节奏结构”概念，就是 在作曲家划定的时间结构内，任何声音都可以投入到空的时间框架之中。他在著名 的“关于一无所有的演讲”中反复强调掸宗中的“空”、“增懂”的境界：“我无话可说但我正说着因此这正是我所需要的诗意”。 基于这些理论，他构想了一部实验性的作品《4分33秒》，在音乐史上首次将 “silence(无声)”这个概念在音乐舞台上得以实现。凯奇在这部作品中想要做的就是清空节奏结构，让它在一无所有的状态下，坦然地拥抱所有最纯粹的、自然 发生的音，在空的结构框架内所有的声音，包括无声，都可以成为音乐。